Justin Earl Grant

Visual Artist

Trascendence of sensitive

In dealing with the work of Justin Earl Grant, it is immediately evident that there is a brotherhood of authors with whom Grant is connected. Grant´s work has been built upon the aesthetic history of these other artists, whom themselves were the manifestation of a stylistic continuation which in turn has naturally fed Grants own work.

The masters whom need to be mentioned here, rightly so called ¨soul mates,¨ are artists such as Rembrandt and Callot, Brueghel the elder and Piranesi, Hokusai and Utamaro, Hogarth and Fussli, Klinger, Kubin and Redon, Klee and Kandinsky, Wols and Dubuffet, and lastly but not less important, the grotesque and dreamlike expressiveness of Francisco de Goya and José Luis Cuevas.

Self Portrait with child and Devil - Watercolor on paper 46 by 61cm. 2013

Self Portrait with child and Devil – Watercolor on paper 46 by 61cm. 2013

“For anachronistic as it may seem, Mondrian is very close to Wols”, the Brazilian Hélio Oiticica noted in his studies of the aesthetic experience as a transcendence of the perceptual. “Both are the most significant precursors of the disappearance of painting, as it was understood until now.” This is the route taken by the “modus illustrative-pictorial operandis” of the works by Justin Earl Grant, works that invite us to think that Grant, the painter-illustrator, has probably not been aware of these subtle parallels.

This chromatic universe is formed in the works of which contain more watercolor than drawing, a technique he can undertake without abandoning other aesthetic and expressive endeavors. His paintings show an expressive dominance of light and color. In his drawings, the subject is born out of the distinguished, agile, and accurate movement of the hand.

In the drawings and watercolors of Justin Earl Grant there exist characteristics and properties hugely significant in the always adapting yet decisive constellation of interrelated real and extraordinary, the imaginative and surreal, which in itself appear as absurd inventions, distorted characterizations and fabulous narratives.

These elements are used by Grant to express the current social scene, to criticize, to observe and to analyze the conditions, psychological states, desires and yearnings, euphoria and depression, order and anarchy.

Awareness is the combination of reality and the fantastic imagery. Justin Earl Grant offers chance events and in his intentions tries to find images part of the daily and immediate, to extract references of reality, and therefore, to some extent obfuscation and hilarity, finding “signified” and signifiers to make even more appropriate and assertive the expressive speech.

This game with its means of representing an “invested world” goes hand in hand with authors like Justin Earl Grant. By his design of strong contrasts, lights and shadows, stains and textures, the agile and vigilant, expressive and zigzagging line, in which he deliberately used to achieve dramatic effects that arouse and provoke the viewer emotionally.

Within these formal tensions, Grant aspires repeatedly with success in the handling of expressive means, attempting the impossible, compressing the content of the statement into brief scenes, with several exasperating and sensitive motives, and to introduce a background barely differentiated as a temporal and spatial arrangement. The additional irony has been made present in spontaneous and intentional visual citations, achieving universally valid conditions.

RESUME: We could mention the North American artist Justin Earl Grant as a paradigmatic example of syncretism in modern art on this side of the world. The artist combines artistic languages originating from opposing traditions, the western and the non-western. In part, we see in the work of Justin Earl Grant the influence of artists of the European avant-garde, such as Mondrian, Kandinsky and Klee, who tried to reveal by the absolute stripping of the shapes, the sacred in the art. On the other hand, the artist turns his gaze to his own traditions, towards folklore and the American multiethnic society in its entirety, from Alaska to Tierra del Fuego, approaching the non-western aesthetic practices, which are related to ritual.

(Carlos De la Vega Riffo, Santiago de Chile, 2015. )

TRASCENDENCIA DE LO SENSIBLE

Al tratar con el trabajo de Justin Earl Grant, se hace pronto evidente de que hay una cofradía de autores con los que la obra de este artista está involucrada, cuyo trabajo que históricamente ha empleado, manifiesta una corriente de continuidad estilística que ha alentado el trabajo propio.

Qué los maestros que necesitan ser mencionados aquí, son con razón como “almas gemelas”, recordemos a Rembrandt y Callot, Brueghel el viejo y Piranesi, Hokusai y Utamaro, Hogarth y Füssli, Klinger, Kubin y Redon, Klee y Kandinsky, Wols y Dubufett, no menos importante la expresividad grotesca y onírica de Francisco de Goya y José Luis Cuevas.

“Por anacrónico que nos parezca, Mondrian está muy próximo a Wols”, el brasilero Hélio Oiticica apuntó en sus estudios de la experiencia estética como trascendencia de lo sensible. “Ambos son los precursores más significativos de la desaparición de la pintura, tal como se la había entendido hasta ahora”, es la ruta que coge el “modus dibujístico-pictórico opernadis” del trabajo de Justin Earl Grant, obra que invita a pensar que Grant, el pintor-dibujante, no ha sido probablemente consciente de estos sutiles paralelismos.

El universo cromático se adhiere cuando su trabajo se vuelca en la acuarela más que en el dibujo, técnica que puede acometer sin abandonar otros afanes estéticos y expresivos, si en sus pinturas demuestra un gran dominio expresivo lumínico del color, en sus dibujos, el protagonismo se manifiesta en el eximio, ágil y certero movimiento de la mano.

En dibujos y acuarelas de Justin Earl Grant existen características y propiedades tan significativas en la siempre nueva determinante constelación de interrelacionar la realidad y lo fantástico, lo imaginativo y surreal, que en sí mismo aparecen como invenciones absurdas, distorsiones caricaturizadas y narraciones fabulosas. Dichos agentes son utilizados por

Interruption - Pastel and Graphite on paper 60 by 90 cm. 2017

Interruption – Pastel and Graphite on paper 60 by 90 cm. 2017

Grant, en expresar lo social y su tiempo, para criticar, examinar y analizar las condiciones, estados psicológicos, deseos y anhelos, euforia y depresión, orden y anarquía. Consciente es la combinación de la realidad y lo imaginario fantástico, Justin Earl Grant ofrece eventos fortuitos y en sus intenciones de encontrar imágenes en parte de lo cotidiano e inmediato, extraer referencias a la realidad, y por tanto, hasta cierto punto ofuscación e hilaridad, encontrando significados y significantes para hacer aun más apropiado e insistente el discurso expresivo.

Este juego con los medios de representación de un “mundo invertido” va de la mano con autores como Justin Earl Grant, con el diseño de fuertes contrastes, luces y sombras, manchas y texturas, la línea ágil y vigilante, expresiva y zigzagueante, se utiliza deliberadamente para lograr efectos dramáticos, despertar al espectador emocionalmente y provocarlo. Dentro de estas tensiones formales, Grant aspira repetidamente con éxito en el manejo de los medios expresivos, lo imposible, comprimiendo el contenido de la declaración en escenas breves, con algunos motivos exasperantes y emotivos, y para introducir un fondo tan escuetamente diferenciado como un arreglo temporal y espacial. La ironía adicional se ha hecho presente en citas visuales espontáneas e intencionadas, alcanzando así condiciones de valides universal.

RESUMEN: Este estudio analiza la obra del artista Norte Americano Justin Earl Grant, a quien podríamos mencionar como un ejemplo paradigmático del sincretismo en el arte moderno en este lado del mundo. El artista conjuga lenguajes artísticos provenientes de tradiciones opuestas, la occidental y la no-occidental. En parte, vemos en la obra de Justin Earl Grant la influencia de los artistas de las vanguardias europeas, tales como Mondrían, Kandinsky y Klee, quienes intentaron desvelar mediante el despojamiento absoluto de las formas, lo sagrado en el arte. Por otra parte, el artista vuelve su mirada hacia las tradiciones propias, hacia el folklore y la sociedad multiétnica americana en su totalidad, desde Alaska a Tierra del Fuego, acercándose a las prácticas estéticas no-occidentales, cercanas al ritual.

(Carlos De la Vega Riffo, Santiago de Chile, 2015. )

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